ブログ

Jul 21, 2023

グラミー賞

Foto (in senso orario da sinistra): Archivio GAB/Red Ferns, Ron Galera/Ron Galera

写真 (左から時計回り): GAB アーカイブ/レッドファーンズ、ロン ガレラ/ロン ガレラ コレクション (Getty Images 経由)、Kevin Winter/Getty Images、Chung Sung-Jun/Getty Images

特徴

シュープリームスからスパイス ガールズまで、ガールズ グループの歴史を深く掘り下げ、彼らの歌、パフォーマンス、ボーカルの力がポップ カルチャーをどのように変えたかを学びましょう。

80 年以上にわたり、ガールズ グループは集合意識の中に溶け込み、女性のエンパワーメントを最前線に押し出し、その過程で文化を変えてきました。

もちろん、ガールズ グループにはさまざまな形があります。家族向けのアンドリュー シスターズ、ファンク ロックが融合したレーベル、R&B 寄りのデスティニーズ チャイルドなどがあります。 ガールズ グループの構成が進化するにつれて、その文化的影響力も進化しました。シュープリームスのようなアーティストがアメリカでポピュラー ミュージックをより多様な方向に推し進めることに貢献した一方、J-Pop や K-Pop グループはガールズ グループが世界的な視点で見られるのに貢献してきました。近年のレンズ。

これらすべてのグループを結びつけているのは、女性が自分自身を表現し、そうすることで力を与えられていると感じることを奨励する、伝染性とインスピレーションを与える記録です。 たとえば、スパイス ガールズやシャングリラスなどのグループは、女性が自分自身のあらゆる側面を表現するのを助け、対照的な喜びと美しさがあることを世界に思い出させてきました。

女性歴史月間が終わりに近づく中、GRAMMY.com はガールズ グループの進化に貢献したすべてのパワフルな女性を讃えます。 (範囲を狭めるために、ガールズ グループは少なくとも 3 人のメンバーで構成され、ボーカル パフォーマンスに重点を置いたグループとして特徴付けられます。そのため、ゴーゴーズやチックスのようなバンドがこのリストに載っていないのはこのためです。)

以下では、90年近くにわたってガールズグループが構成と影響の両面でどのように変化してきたのか、そして今後もその変化を見ていきましょう。また、Amazon Music、Spotify、Apple Music、PandoraでGRAMMY.comの公式ガールズグループプレイリストを聴いてください。

太古の昔から女性たちが一緒に歌っていたことは間違いありませんが、ガールズ グループの正式な概念は 20 年代か 30 年代のある時点で誕生し、ボズウェル シスターズやハミルトン シスターズのような緊密に調和した家族グループの人気が高まりました。後者はスリーXシスターズになります）。 このグループの人気が本格的に高まり始めたのは、第二次世界大戦が始まったころだ。おそらく、より多くの女性が労働力として参入したことで、人々の心がポップガールズグループという概念に開かれたためか、海外の兵士たちが慰めと穏やかな興奮を求めていたためかもしれない。グループのスムーズなサウンドと魅力的なルックスを通じて。

ボズウェル・シスターズのトリビュート・アクトとして1937年に正式に結成されたアンドリュース・シスターズは、「ブギ・ウギ・ラッパ・ボーイ」「ドント・シット・アンダー・ザ・アップル・ツリー（ウィズ・エニー・エルス・バット）」などの曲に乗って、姉妹アクトの中で最も人気のあるバンドとなる。 Me)」と「Beer Barrel Polka (Roll Out The Barrel)」がチャートのトップに躍り出ました。 彼らは史上最も成功したガールズ グループの 1 つと考えられており、推定 8,000 万枚のレコードを販売し、その数は増え続けています。 ライバルのヒット曲へのアンサーとして「ゼイ・ジャスト・チョップド・ダウン・ザ・オールド・アップル・ツリー」をリリースしたダイニング・シスターズなど、他のガールズ・グループもアンドリュースの活動に追随した。

アンドリュース・シスターズは 50 年代に入っても人気があり、「ミスター・サンドマン」や「ロリポップ」などの曲で成功を収めたコーデッツや、「ザ・ザ・ザ・」の主力となったレノン・シスターズのような、同様の緊密なハーモニー・アクトを刺激した。ローレンス・ウェルク・ショー。」

10 年代の半ば頃、ガールズ グループはドゥーワップ運動から少し離れ始め、ボベッツの「ミスター リー」のような曲が、オールブラックのガールズ グループの波が来る道を切り開くのに役立ちました。 合唱団で一緒に歌うことになったシャンテルズはすぐに「Maybe」を続け、ロック、ポップ、ドゥーワップをブレンドしたこのジャンルのスタイルを確固たるものにし、その後何年にもわたって音のテンプレートとして機能することになる。

1961年、シュレルズは「トゥナイト・ザ・ナイト」や「ウィル・ユー・スティル・ラヴ・ミー・トゥモロー」などの曲で急速に成功を収め、ガールズグループとして初めてビルボードのホット100チャートで1位を獲得した。 このグループは10年間でさらに5枚のヒットシングルを出し、マーベレッツのようなバンドに影響を与え、その「プリーズ・ミスター・ポストマン」がモータウン・レコード初のNo.1シングルとなった。

その成功を掴もうとしたモータウンは、より多くのガールズグループの結成に多額の投資を行い、以前はソロ活動を目指していたかもしれない、あるいは契約を見送っていたかもしれないさまざまな歌手からトリオやカルテットを作り上げた。 CNNによると、こうしたビジネス志向の造形が、マーサ・アンド・ザ・ヴァンデラス、ベルベレッツ、そして後にアメリカ史上最も成功したボーカル・グループとなるシュープリームスと呼ばれる小さなグループを生み出したという。 モータウンのアーティストの成功（その大部分は全員黒人でした）は、アメリカ文化がポピュラー音楽の統合をますます受け入れていることの表れでもありました。

モータウンがガールズグループを意識的に作り上げて成功を収めたのを見て、他のプロデューサーや小規模な独立系レーベルは、その稲妻の一部を自分たちのボトルに閉じ込めようとしました。 フィルズ・レーベルはクリスタルズとロネッツのサウンドで利益を上げ、ジェリー・リーバーとマイク・ストーラーはシャングリラスとディクシー・カップスをレッド・バード・レーベルと契約した。 シャングリラスの「ギブ・ヒム・ア・グレート・ビッグ・キス」のような曲は、10代の女の子の片思いについて驚くほど現実的な視点を提供し、「リーダー・オブ・ザ・パック」は、以前はすべての人が独占していた不気味な10代の悲劇についての曲のサブジャンルに女性の視点をもたらすのに役立ちました。男性アーティストとしては、ジャン・アンド・ディーン、ウェイン・コクラン・アンド・ザ・CC・ライダーズなどが挙げられます。

60 年代にパティ ラベル アンド ザ ブルーベルズとして初めて結成されたラベルは、そのジャンルをソックス ホップからナイトクラブに押し広げ、70 年代の代表的なガールズ グループの 1 つになりました。 彼らのファンキーでロックが注入されたシングルは、ガール グループの愛好家がこれまでに聴いたことのないもので、1974 年にこのグループは、ディスコを飛び出して集合意識に浸透した、ちょっと思わせぶりな曲「レディ マーマレード」でアメリカの心を掴みました。 もともと 60 年代に結成された他のグループも同様の成功を収めました。たとえば、スリー ディグリーズは、晴れやかで心地よい「ホエン ウィル アイ シー ユー アゲイン」などのヒット曲を数多く送り出しました。

シスター・スレッジもディスコブームを利用し、「ウィー・アー・ファミリー」や「ヒーズ・ザ・グレイテスト・ダンサー」など長く続くヒット曲を生み出した。 ポインター・シスターズは、R&B (1973 年のファンキーな「Yes We Can Can」) やカントリー (1974 年の「Fairytale」、1975 年にデュオまたはボーカル付きグループによる最優秀カントリー・パフォーマンス部門でグラミー賞を受賞) など、さまざまなジャンルを経験してきました。次の10年の初めに、官能的な「Slow Hand」やより熱狂的な「I'm So Excited」などの曲で最大の成功を収めた。

80年代、カルチャーがヘアメタルやヒップホップへと向かう傾向にあったため、ガールズグループは少し停滞した。 いくつかのアクトは依然としてブレイクを果たし、ラテンのフリースタイルのセンスが染み込んだダンスフレンドリーなカットでリスナーの心を捉えました。 シンセとシンコペーションを施したパーカッションをふんだんに使ったフリースタイルは、ニューヨークやフィラデルフィアのクラブやパーティーから爆発的に広がり、ヒスパニック系やイタリア系アメリカ人の聴衆の間で特別な人気を博しました。

マイアミのエクスポーズは、この 10 年間で最大のフリースタイル アクトの 1 つで、ガールズ グループのハーモニーと合成サウンドを融合させて、「ポイント オブ ノー リターン」や「シーズンズ チェンジ」などのヒット曲を生み出しました。 ニューヨークの 2 つのグループ、スウィート センセーションとザ カバー ガールズは、80 年代と 90 年代の橋渡しとなるフリースタイルでの成功を収めました。 スウィート センセーションの「Never Let You Go」はダンス チャートを席巻し、カバー ガールズの「Show Me」と「 Because Of You」はそれほど人気が​​ありませんでしたが、フリースタイル ファンの心の中で今でも特別な場所を保っています。

ニュー ジャック スウィングの緊急事態と、R&B のスムーズなボーカル スタイルに対する新たな関心のおかげで、90 年代にガールズ グループが大々的に復活しました。 アン・ヴォーグは、1990 年代に最初にメジャーになったグループの 1 つで、1990 年にデビュー シングル「ホールド オン」が初めてビルボード チャートに登場しました。彼らの最大のトラックは、10 年後半に登場した、強力な「フリー ユア マインド」と「」でした。彼に何かを感じさせる」では、カルテットの声域とキャラクターを紹介しています。

アン・ヴォーグとほぼ同時期に、アトランタの 2 つのグループも有名になりました。 最初に登場したのはストリートに精通したカルテット、Xscape で、「Just Kickin' It」などのトラックで 1993 年のサウンドを活用しました。

TLCはよりダイナミックな曲調を持ち、まずニュー・ジャック・スウィングを取り入れた「Ooooooohh…On The TLC Tip」で集団意識に飛び込み、「Ain't 2 Proud 2 Beg」を含む3曲のトップ10シングルをフィーチャーした。 このグループのだぶだぶのパンツとヒップホップの美学は、ガールズ グループの境界を押し広げました。その理由の 1 つは、メンバーが実際に自分たちの性的欲求と、誰もが安全なセックスをする必要性を認めていたためです。 10 年代後半、TLC は「Waterfalls」やグラミー賞を受賞した「No Scrubs」などの曲でさらに高みに上り詰めます。後者は実際には Xscape の 2 人のメンバーによって共作されました。

デスティニーズ・チャイルドは当初、90年代後半にカルテットとしてヒューストンから誕生したが、後にメンバーを失い、新しいメンバーを獲得し、最終的にはトリオとなった。 ビヨンセの純粋なスター力を無視するのは難しかったが、この3人組は概ねグループとして機能し、「ノー・ノー・ノー」や「ビルズ・ビルズ・ビルズ」など、ダンサブルな耳の虫を次々と生み出した。 2006 年に解散するまでに、デスティニーズ チャイルドは数千万枚のレコードを売り上げ、グラミー賞を 3 回受賞しました (合計 9 回ノミネートされました)。

西側では、ウィルソン・フィリップスのチャイナ・フィリップス、ウェンディ・ウィルソン、カーニー・ウィルソンが、ビーチ・ボーイズやママス＆ザ・パパスのメンバーだったそれぞれの両親のサウンドをチャネリングしていた。 彼らの曲はボーカルのハーモニーを特徴としており、主に感情的な憧れを歌っており、90 年代を通してラジオのダイヤルの多くを支配していたダンスやファンクに対抗するものでした。

90 年代にはイギリスでもガールズ グループが大きな注目を集め、同時期にイギリスでボーイ バンド ブームが起きました。 オール セインツとスパイス ガールズの 2 つのグループは、実際にはマネージャーによって集められましたが、当時のポップ ミュージックの多くが完全に作られたものであるという否定論者の懸念を和らげるには役立ちませんでした。 (英国のもう 1 つの主力であるアイルランドの B*Witched は有機的に集まりました。)

いずれにせよ、オール・セインツとスパイス・ガールズはどちらも商業的な成功を収め、後者は「ワナビー」のようなキャッチーなポップ・ホップのおかげだけでなく、クインテットの特異なペルソナと「ガール・パワー」のメッセージの強さによって絶対的に大規模になった。 スパイス ガールズは、1997 年にスパイス マニアの絶頂期に公開された自分たちの映画「スパイス ワールド」にも主演し、すぐにビートルズの「A Hard Day's Night」と比較されました。

2000年代前半もガールズグループが君臨し続けた。 2000 年代のガールズ グループの多くはリアリティ番組の一環としてテレビで結成され、英国でセンセーションを巻き起こしたガールズ アラウドは ITV 番組「ポップスターズ: ザ ライバルズ」で結成され、ダニティ ケインはショーン パフィー コムズ監督の「メイキング ザ バンド」の 3 シーズンにわたって結成、発展しました。 。」 テレビはこれらのポップアーティストにとって素晴らしい出発点として機能しました。ファンは番組を見てグループの成功に感情移入することが多かったので、新しいシングルがリリースされるとすぐに参加しました。

ガールズ アラウドやダニティ ケイン、そしてドリーム、3LW、ブラックといった彼らの仲間たちは、セクシーで自信に満ちた、実物よりも大きなポップ ミュージックを制作し、それに見合った高価そうなミュージック ビデオを添えました。 曲はまた、ポップスから都市ラジオにクロスオーバーすることもよくありました。

2000 年代で最も成功した (そして最もセクシーな) ガールズ グループのもう 1 つも、かなり回りくどい方法で結成されました。 プッシーキャット・ドールズは「ドント・チャ」や「ボタンズ」などの曲で成功を収めたが、プッシーキャット・ドールズの名前とブランドの実際の起源は、ロサンゼルスを拠点とする振付師のロビン・アンティンがバーレスク一座を立ち上げたほぼ15年前に遡る。 彼女のクラブイベントやダンサーの人気がますます高まった後（プレイボーイ誌でポーズをとることもあった）、インタースコープ・レコードのジミー・アイオヴィンから、その名前をポップ・グループに付けるよう促された。

アンティンは、曲を演奏でき、その役を演じることができる5人の歌手を募集した。その中にはニコール・シャージンガーも含まれていた。彼女は当初、テレビ番組で結成された別のグループ、「ポップスターズ」の米国版であるエデンズ・クラッシュでキャリアをスタートさせた。そしてプッシーキャット・ドールズはすぐにその地位に足を踏み入れた。キャッチーなマルチトラック (そしてしばしばきわどい) ヒット曲でラジオのダイヤルやビルボード チャートに登場します。

ガールズ グループも 2000 年代に世界中で巨大化し、スペインのラス ケチャップは「ケチャップ ソング」という便宜的に名付けられためちゃくちゃキャッチーなポップソングをプロデュースし、スウェーデンのプレイはアメリカ市場で商業的成功を収め、イギリスのアトミック キトゥンが結成されました。純粋にオーケストラル・マヌーヴァーズ・イン・ザ・ダークのアンディ・マクラスキーとスチュアート・カーショーのためのソングライティング手段として。 後者のメンバーはそのキャリアを通して去っていきましたが、「ホール・アゲイン」（これもプレイによって録音されました）のような曲は時の試練に耐えてきました。

現代の K-POP 文化は 90 年代後半に韓国で始まりましたが、本格的に勢いを増し始めたのは 00 年代で、ボーイズ グループとガールズ グループの両方が急増する韓流や韓流の恩恵を受けました。 そのうちの 1 つであるワンダー ガールズは、2000 年代後半に「Tell Me」や「Nobody」などのジャンルを超えた曲で急速に成功を収めました。これは、ポップ アクトがツアー中に曲の英語バージョンを演奏できたおかげでもあります。ジョナス・ブラザーズ。

2010 年代の最大のガールズ グループのうち 2 つも、テレビで放映されたリアリティ コンテスト ショーから生まれました。 英国の「X ファクター」で結成されたカルテットのリトル ミックスは、英国のガールズ グループの時代を再定義するようになり、6,000 万枚以上のレコードを販売し、「キャノンボール」や「シャウト アウト トゥ」などの熱量の高いシングルでチャートのトップを獲得しました。私の元恋人。"

アメリカでは、フィフス・ハーモニーは「Xファクター」で誕生したが、そこではメンバー5人全員が前のシーズンに個別に出場していたが、勝ち上がることができなかった。 しかし、プロデューサーが彼らをグループとして競争させるために連れ戻した後、視聴者がその名前を選び、最終的に彼らが競争で3位になるのに貢献して、フィフス・ハーモニーが誕生しました。

このクインテットは、サイモン・コーウェルのレコードレーベル、サイコと審査員として契約し、ショーから登場し、これまでの多くの偉大なガールズグループと同様に、ショッピングモールやトークショーのツアーに乗り出し、最終的にヒップホップとR&Bの両方を取り入れたポップレコードをリリースした。 ファンは「I'm In Love With A Monster」や「Work From Home」などの曲に夢中になりました。この曲は、リリース以来 YouTube で数十億回のヒットを記録した、トラップ満載のモンスター ヒットです。

K-POP の波は 2010 年代にも続き、少女時代や Twice などのグループがそれぞれ 8 名と 9 名のメンバーを擁することで従来のガールズ グループの型を打ち破りました。 同時に、J-Pop アーティストである AKB48 が、これまでのガールズ グループには見られなかった構造で人気を博しました。グループには合計 80 人のメンバーがおり、メンバーが選出されるさまざまな「チーム」に分かれています。熱狂的なファンによる。 3 つのアクトはすべて文字通り、そして比喩的に大規模で、高度に制作されたバブルガム ポップの LP と実物よりも大きなダンス シングルを数千万枚販売しました。

2016年にBLACKPINKがシーンに登場したとき、K-POPガールズグループの成功は新たなレベルに達した。メンバーはガールズグループアカデミーに参加し、ガールズグループブートキャンプに相当するものを経て結成された。 その結果、微調整された音楽マシンが誕生し、「Boombayah」や「DDU DU DDU DU」などのヒット作を次々と生み出し、オンラインで何十億回も視聴されるミュージック ビデオが誕生しました。

ファン (BLINK として知られる) の献身に刺激を受けて、BLACKPINK は数々の輝かしい賞を獲得することに成功しました。 彼らは、コーチェラのヘッドライナーを務めた初のアジア系アーティストであり、ビルボードの表紙を飾った初の女性 K-POP アーティストであり、YouTube の音楽アーティストの中で最も多くの登録者を集めています。 しかし、ガールズ グループの存続を支えている女性 K-POP アーティストは彼らだけではありません。2010 年代には、MAMAMOO や Red Velvet などのグループがヒット作を次々とリリースし、2NE1 は「Lonely」や「I Am The Best」などの曲であらゆる場所の人々の心を掴みました。 」 2012年、2NE1はK-POPガールズグループ初のワールドツアーと多くの人が考えるツアーに出発し、7カ国11都市を訪れた。

メンバーがそれぞれの文化を取り入れ、ヒップホップに影響を受けたユニークなサウンドを生み出す英国のガールズ グループであるフローは、シアラやエイミー ワインハウスなどのアーティストからも影響を受けています。 彼らは結成してまだ数年しか経っていないが、彼らの独特のレトロなサウンドはすぐに英国で人気となり、デビューシングル「Cardboard Box」は2022年初頭のリリースから数日以内にYouTubeでほぼ100万回の再生回数を記録した。 「Immature」や「Summertime」などのシングルが続いた。

もう 1 つの完全に現代的なガールズ グループであるボーイズ ワールドは、マネージャーが 5 人の異なる女性が歌っているビデオをオンラインで見つけ、チームを組むかどうか確認するために連絡を取った後に結成されました。 彼らはイエスと答え、TikTokアカウントを立ち上げ、ロサンゼルスで一緒に家に引っ越しました。 ガールズ グループになるための徹底的なオンライン アプローチは、力強いアンセムとともに視聴者を魅了しました。

K-POPの波も同様に高まり続けており、BLACKPINKが2023年のコーチェラでヘッドライナーを務め、急成長を遂げているNewJeansがこの夏の後半にロラパルーザでプレーする初の韓国人女性アーティストという栄誉を獲得した。 これまでの多くのガールズ グループと同様に、どちらのアクトも境界を打ち破り続け、カルチャー全体に影響を与え、このジャンルがかつてないほど重要であることを証明しています。

過去数十年ほど多くはないかもしれないが、ガールズグループの運動は確かに幕を閉じたわけではない。 そして、多様な女性が今も世界中の視聴者を魅了しているため、ガールズグループは今後何年にもわたってあなたの人生にスパイスを与え続けるでしょう。

GRAMMY.com の 2023 年女性史月間プレイリストを聴く: リアーナ、SZA、マイリー サイラス、BLACKPINK などによる 40 曲で神聖なフェミニンで泳ぎましょう

写真：Ron Galella/Ron Galella Collection（ゲッティイメージズ経由）

リスト

A&E/ライフタイムの最新ドキュメンタリー『TLC Forever』では、苦難から勝利に至るまで、グループの象徴的な遺産の未公開映像と語られざる物語がフィーチャーされている。

ティオンヌ "T-ボズ" ワトキンス、リサ "レフトアイ" ロペス、ロザンダ "チリ" トーマスが TLC として力を合わせたとき、ガールズ グループの状況は永遠に変わりました。

TLC は爽快な走りで記録を破り、新しいスタイルのトレンドを打ち立て、HIV/AIDS や身体イメージなどの重要な問題に光を当てました。 彼らのユニークなサウンドとリスクを冒す意欲は、史上最も売れている女性グループの 1 つとしての地位を確固たるものにするのに役立ちました。 そして今、彼らの遺産は映画で不滅のものとなっています。

6月3日にA&E/ライフタイムで初公開される新しいドキュメンタリー『TLC Forever』は、トリオの30年にわたるキャリアの劇的な浮き沈みに迫る。 彼らの多くの素晴らしい功績の一方で、破産、見出しを飾るような乱闘、悲劇など、多くの苦労もありました。 ワトキンスが 1996 年のグラミー賞で冗談めかして宣言したように、「TLC はこのビジネスを多くのことで記憶に残すことになるだろう。」

約120分のこの映画は、象徴的な音楽トリオの最初の出会いから2002年のロペスの早すぎる死までを追っており、2022年のグラストンベリー・フェスティバルでの演奏を準備するワトキンスとトーマスを追っている。 ドキュメントでは、ワトキンスとトーマスが長年マネージャーを務めたビル・ディギンズとの貴重な映像をリアルタイムで視聴していることから、ファンにとっては特に特別なものとなるだろう。

TLC のストーリーをよく知っている人も、もっと知りたいと思っている人も、TLC Forever は一見の価値があります。 以下に、このドキュメンタリーから得た 5 つの重要なポイントを見てみましょう。

1994 年の春、TLC のベストセラー『CrazySexyCool』が発売されるわずか 5 か月前に、ロペスは当時のボーイフレンドで元アトランタ ファルコンズのワイドレシーバー、アンドレ リソンに復讐しようとしました。 ロペスの浮気現場を彼女が捕まえた後、ロペスは2階建ての邸宅の浴槽でスニーカーに火を放ち、その後、それが家の他の部分に燃え広がった。

放火の重罪で起訴され、5年間の執行猶予、1万ドルの罰金を言い渡されたが、当時23歳のラッパーは、この事件によってもたらされた「クレイジー」な評判を完全に払拭することはできなかった。 しかし、『TLC Forever』では、彼女の行動にさらなる背景を与える詳細が明らかになります。

トーマスは文書の中で、ロペスとリソンの関係を「有害」だと述べた後、「常に何かが起こっていた」と付け加えた。 交際開始から数カ月後、ロペスとリソンは食料品店の駐車場で激しい口論になり、そこでリソンがロペスに暴行を加え、周囲の人の巻き込みを阻止するために威嚇射撃を行ったとされる。

ワトキンスさんは映画の中で、住宅火災について「部屋に入ったときの彼女の表情だけを覚えているので、とてもかわいそうだと思った」と語った。 「彼女の爪は剥がれ、ひっかき傷ができ、打撲傷ができ、血が流れていました。そして全世界が彼女を『何をしたの？』という目で見ていました。 そして誰もが本来あるべきような反応をしませんでした。」

多くのファンが知っているように、ロペスはCrazySexyCoolのリードシングル「Creep」が不貞を助長する歌詞だったため抗議していた（特に同年米国だけで4万2000人近くの命が失われたエイズの流行が続く中）。 さらに、チャートのトップに輝いたこの曲は、安全なセックスを提唱する手段としてだぶだぶの服にコンドームを着用するという、TLC の常識に反するものでした。

この曲は実際にはワトキンス自身の人間関係の悩みからインスピレーションを得たものだったが、ロペスはリソンが彼女が浮気していると思い、彼らの混乱した関係の中でさらなる虐待疑惑を引き起こす可能性があるのではないかと恐れた。 そこで彼女はリミックスのために、リスナーに忍び寄る行為の結果について警告する詩を書いた。「忍び寄ることは心の中でヒステリックな行動を引き起こす可能性がある/あなたの人生を束縛され、時間内に追い込む/あなたを情熱的な犯罪の犠牲者にする」と彼女はラップしている。

トーマスはLaFaceのプロデューサーであるダラス・オースティンとの長年のロマンスの初期に、トリオのデビュー・アルバム『Ooooooooh... On the TLC Tip』に先駆けて妊娠し、グループとの将来を危険にさらした。 オースティンからあまり支援を受けられず、当時のマネージャーだったペリー・“ペブルズ”・リードに知られるのを恐れたトーマスは、20歳のときにしぶしぶ中絶をし、ドキュメンタリーの中でそれを「恐ろしい経験」だったと述べている。

「その後、私はおそらく何らかの故障を経験しました。自分自身を許すことができませんでした」と彼女は言います。 「自分がしたことに対して、とてつもない罪悪感を感じました。その罪悪感が適切に処理されなかったことが、私をよりダラスに執着させる原因となったのです。」

1997年、トーマスとオースティンにはトロンという名前の息子が生まれ、彼はさまざまな方法で歌手にとって終結の役割を果たしました。 「トロンを産んでから、ダラスとの関係が本当によくわかるようになりました。それが機能的で、健全で、愛情に満ちた関係ではないことは明らかでした」と彼女は認める。 数年後、彼らは別々の道を歩みましたが、今でも一緒にクリエイティブに働き、現在26歳の息子を共同で育てています。

続きを読む：ガールズグループの進化: TLC、BLACKPINK、シュレルズなどが女性の表現力をどのように高めてきたか

CrazySexyCoolは全世界で1,500万枚を売り上げ、Billboard Hot 100で2つのNo.1ヒットを生み出し、2つのグラミー賞を受賞したにもかかわらず、TLCは1995年に破産法第11章を申請し、その後グループ内の緊張により5年間の活動休止を延長した。 TLCの3度目のスタジオ作品『FanMail』（タイトルはロペスが作ったものでファンに捧げたもの）に至るまでの数か月間、ロペスは自分の数曲がダラス・オースティンによって拒否された後、このプロジェクトへの不満を表明した。

「私はこのTLCプロジェクトと、私を代表するはずの音楽を100パーセント支持することはできない」とロペスが1999年の『ヴァイブ』誌のインタビューで発言したのは有名で、これが解散の噂に拍車をかけた。 「本当のことを自由に話せて、ソロプロジェクトで自分を表現できるようになるまで、これが最後のインタビューになります。」

同じ頃、ロペスはワトキンスとトーマスにソロアルバムのレコーディングを挑み、最も多くの枚数を売ったメンバーに150万ドルの賞金を与えると申し出た。 ロペスのラップは、FanMailの17トラックのうち3曲でしか聞くことができず、彼女の欠席の多くは確かに内紛によるものだったものの、ワトキンスとトーマスは、ロペスの創造性がオースティンがプロデュースしていたものと「まったく一致しなかった」ことを認めた。 ロペスが亡くなったとき、彼女はホンジュラスで30日間の精神的静養をしており、その一部は2007年の遺作ドキュメンタリー『The Last Days of Left Eye』として記録され公開された。

2006年、ワトキンスさんは顔面神経、聴覚神経、平衡神経に影響を及ぼし、致命的な可能性がある脳腫瘍である聴神経腫と個人的に闘病していた。 当時36歳の彼女は腫瘍を切除する手術を受けたが、幼少期から鎌状赤血球貧血による合併症が続いていたためリスクはさらに悪化した。

「（医師は）もし何か問題が起きて、あなたの聴力も顔も平衡感覚も救えない場合に備えて、自分自身を救いたいと私に指示してくださいと言った」と彼女は文書で述べた。 「この業界はあなたの顔、あなたの声、あなたのダンスがすべてです。それが私の仕事のすべてです。だから彼らは私のバランスを取り、私は私の顔をほとんど保存しました[そして]私は試合で[聴覚の]3パーセントを失っただけでした」時間。"

ワトキンスさんは、母親が見方を変えるまで、手術後何年もの間、彼女は落ち込んで魅力がないと感じていたと付け加えた。 「ある日、鏡を見て泣き始めたとき、母が『ダメ』と言った事を覚えています。 彼女はこう言った、「ほら、これはあなたが通常の状態に戻る旅に過ぎないの。これはあなたが留まる方法ではないし、どうなるつもりでもない。これはあなたが最初の状態に戻る旅に過ぎないのよ」と彼女は思い出した。 。 「私は言いました、『ああ、分かった、そう考えると、私がしなければならないのは、これを生き延びて乗り越えることだけです、そうすれば私は冷静でいられるのです。そして、私が生きている、私が生きているという戦いが始まりますこれを生き延びて、これを倒すつもりだ。」

現在53歳のワトキンスは、まだまだ元気だ。 しかし、この映画は視聴者に、彼女が健康を損なうことなく演技できるようになるためにはどれだけの準備が必要なのかをより深く知ることができる。 ステージに上がる前後に、ワトキンスさんは炎症を最小限に抑えるために十分な水分と酸素を摂取する必要があります。

Lifetime TV (@lifetimetv) がシェアした投稿

ワトキンスとトーマスは、ホンジュラス旅行中の交通事故で悲劇的に30歳で亡くなったロペスなしで前進するようレーベルから直面した計り知れないプレッシャーについて語ります。 「リサが亡くなった後、レコード会社が『3D』を完成させなければベストアルバムを出すと言ったので、スタジオに戻らざるを得なくなったような気がした」とワトキンスは『TLC Forever』で語った。 「我々に最後通告が突き付けられた。」 トーマスはさらに、「トンネル視野があった。もう終わりにしよう。」と付け加えた。

プラチナムになったにもかかわらず、3DはTLCの基準では商業的に失敗とみなされ、売り上げは70万枚未満で、リード・シングル「ガール・トーク」はホット100で最高28位に達した。Z100の年次イベントでロペス抜きで初のライブ・パフォーマンスを行った後、 2003年のズートピアコンサートでは、音楽業界は一見それを無視したように見えたが、トーマスさんはそれが本当に終わったとは感じなかったと語った。 2014年のVH1スーパーボウルブリッツコンサートで初めてプロモーターが手を差し伸べ始め、それが最終的に彼らの並外れたキャリアの中で最大のパフォーマンス、つまり昨年のグラストンベリーでのステージにつながった。

「最大のご褒美は、No.1ソングがなくなってツアーをソールドアウトできた時だ」とトーマスは映画の終わりに語る。 「それは、あなたには時の試練に耐えられる素晴らしい作品がたくさんあるということです。時間が経てば、我々はうまくいったとわかります。我々はうまくいきました。」

「ローリン・ヒルの誤った教育」を再訪：複数のグラミー賞を受賞した記録が25年経った今でもすべてである理由

写真: ロブ・ヴァーホルスト/レッドファーンズ

特徴

8 回のグラミー賞受賞と 25 回のノミネートを通して、ティナ ターナーの膨大で世代を超えた音楽作品は、同様に面白く、インスピレーションを与えてくれました。 大胆なソウル・シスターは5月24日、スイスのチューリッヒ近郊の自宅で死去した。 彼女は83歳でした。

ロックンロールの女王、レコーディングレジェンド、エンパワーメントの象徴。 ティナ・ターナーをどのように呼ぶかに関係なく、彼女の死は、業界を形成するキャリアを残した輝かしい文化的遺産の終焉を示す大きな損失である。 8 回のグラミー賞受賞と 25 回のノミネートを通じて、ターナーの膨大で世代を超えた音楽作品は、同様に面白く、インスピレーションを与えるものであることが証明されました。

アイコンは5月24日にスイスのチューリッヒ近郊の自宅で亡くなった。 彼女は83歳でした。

2018年にグラミー賞生涯功労賞を受賞し、グラミーホールに3度殿堂入りしたターナーについて、レコーディング・アカデミーCEOのハーベイ・メイソン・ジュニアは「ティナ・ターナーは、その素晴らしいキャリアを通じてステージの内外で女性の壁を打ち破った」と語った。名声の。 「彼女は、1985年と2008年のグラミー賞のステージを含め、その衝撃的なパフォーマンスで世界中の聴衆を驚かせ、彼女の特徴的なスタイルと力強いボーカルで多くの人に道を切り開いた紛れもないロックスターでした。彼女のことを多くの人が惜しむことになるでしょう」世界中で感動しました。」

それは音楽業界、そして世界全体が共有する感情だ。 ミック・ジャガーはソーシャルメディアで「彼女は本当に才能豊かなパフォーマーであり歌手だった」と書いた。 「彼女はインスピレーションを与え、温かく、面白く、寛大な人でした。私が若かった頃、彼女は私をとても助けてくれました。私は彼女のことを決して忘れません。」 第50回グラミー賞でターナーと共演したビヨンセは自身のウェブサイトで「最愛の女王」に敬意を表し、「私はあなたを限りなく愛しています。あなたのインスピレーションとあなたが道を切り開いてくれたすべてのことにとても感謝しています。 「あなたは強さと立ち直りです。あなたは力と情熱の象徴です。」エルトン・ジョンはそれを簡潔に言いました：「私たちは世界で最もエキサイティングで感動的なパフォーマーの一人を失いました。」と彼は書きました。 「彼女はアンタッチャブルだった。」

ターナーのアンタッチャブルな才能には 2 つの段階があったことは有名です。 まず、夫アイク・ターナーとの波瀾万丈のコラボレーションで、デュオとして演奏し、頻繁にカバーされる「プラウド・メアリー」などのヒット曲を生み出した。 すぐにそれとわかるこの曲で、ふたりは 1972 年にグラミー賞の A グループ最優秀 R&B ボーカル パフォーマンス賞を受賞し、2003 年にはグラミーの殿堂入りを果たしました。彼女の勝利の第 2 幕で、ターナーはパートナーシップを解消しました。 彼女はソロ パフォーマーとして自分自身を再発明し、60 年代と 70 年代のロッカーから 1980 年代のアリーナ ポップ スターへと、あり得ないことに転身しました。

彼女の努力により、歌手は1985年のグラミー賞の主要部門を総なめにし、「What's Love Got To Do With It」で最優秀レコード賞、最優秀楽曲賞、そして最優秀女性ポップ・ボーカル・パフォーマンス賞を受賞した。 彼女はまた、「Better Be Good To Me」で最優秀女性ロック・ボーカル・パフォーマンス賞の金蓄音機を持ち帰りました。

彼女の最も忘れられないヒット曲の 1 つであるターナーは、「What's Love Got To Do With It」を行動への呼びかけとして利用し、途中で元夫との虐待的な関係について残酷なほど正直になりました。 ターナーは後にローリングストーン誌に、1976年7月にアイクのもとを去ったときのことを回想し、「私には何も持っていなかった。お金を手に入れる方法さえ知らなかった。アイクの下で働いていた女の子が私のために働いていた。彼女はお金を手に入れる方法を知っていたから」と語った。 「お金が必要でした。私はそのようなことをどうやって行うのか知りませんでした。」 彼女は後に、音楽史上最大のカムバックの一つと考えられる曲を考案した。

最初にオファーしたのはドナ・サマーだった（最終的に逝去するまでトラックに座っていた）ソングライターのテリー・ブリテンは、「ホワッツ・ラブ・ゴット・トゥ・ドゥ・ウィズ・イット」は「ひどい」と思ったと後に明かした。 ターナーもこの曲は気に入らなかったが、マネージャーのロジャー・デイヴィスの励ましを受けてレコーディングした。

ブリテンさんは2021年のドキュメンタリー『ティナ』の中でこう振り返った。 ターナーがヴォーカル・トラックを完成させて初めて、この曲がポップなお菓子からヴォーカル界の実力者のショーケースへと昇格した。 「彼らは音楽の上に立つ強い声に慣れていなかった」とターナーさんはドキュメンタリーの中で語った。 「しかし、私はそれを変換して自分のものにしました。」

ターナーの巧みな音楽的解釈は、アイク＆ティナ・ターナーとして演奏したブルース風のロックから、1989年の「ザ・ベスト」（トレードマークとなり、当然のことながら人気のベスト・ヒットのタイトルにもなった）のようなポップ・アンセムまで、彼女の折衷的なディスコグラフィー全体を通して明らかである。アルバム）。 1962年、彼女は前年のヒット曲「イッツ・ゴナ・ワーク・アウト・ファイン」でグラミー賞の最優秀ロックンロール・レコーディング賞に初めてノミネートされた。この曲は、ソングライターのローズ・マリー・マッコイが彼らのエネルギッシュなステージ・ショーを観た後に提供されたものである。アポロ。

この曲はターナーにとって幸運な初期のヒットとなり、後に最優秀ロック・ボーカル・パフォーマンス賞（女性）部門の定番となった。 数十年後、彼女は1986年と1987年に「One of the Living」と「Back Where We Started」で同部門を連続受賞し、1988年には「Better Be Good To Me」にノミネートされ、受賞した。 1989年にティナ・ライブ・イン・ヨーロッパのために黄金の蓄音機を受賞したほか、数多くの賞を受賞しました。

「私の歌は、私を見ているみんなの人生のちょっとしたものなのよ」とターナーは、1986年の人気絶頂の最中にローリングストーン誌に語った。 「世界は完璧ではありません。そして、そのすべてが私のパフォーマンスの中にあり、私はそれを使って遊んでいます。」

アンナ・メイ・ブロックとして生まれたターナーの音楽ダイナモへの旅は、テネシー州の農地で始まり、そこで彼女は芸術表現への情熱を早くから発見しました。 「女の子だったので、機会があるたびに地元の映画館に行き、シーンを覚えて再現できるようにしていました」と彼女は2021年のハーバード・ビジネス・レビューで回想した。 「高校で歌の訓練を少し受け、オペラも少し学びましたが、私の声とダンスの能力はほとんど自然に身についたものです。」

その歌唱力とパフォーマーとしての比類のないエネルギーは、彼女の人生を通してマイクの向こう側で存分に発揮され、最も記憶に残る例の一つが「River Deep-Mountain High」です。 1999年にグラミー賞の殿堂入りを果たしたアイクとのデュエットはフィル・スペクターがプロデュースし、ターナーは彼女のボーカルを吐き気がするほどカットして素晴らしい結果を出したと語っている。 同誌が同誌の「史上最も偉大な歌500曲」リストの33位にこの曲がランクインした後、彼女はローリングストーン誌に「この曲を50万回歌ったに違いない」と語った。 「汗だくでした。歌うためにシャツを脱いでブラジャー姿でそこに立たなければなりませんでした。」

彼女の死後、ニューヨーク・タイムズ紙は彼女を「爆発的な力を持つ魅力的な歌手」と呼んだ。 その力は、彼女の芸術性と、数多くの障害に直面して奮闘する能力の両方において、ステージの内外で目に見えました。 2005年のオプラ・ウィンフリーとのインタビューでターナーは、「『生きては決してこの世から出られない』という言葉がある」と説明した。 「そうですよ。そんなことはありません。前に進みましょう。化粧も髪も服装も頑張ってください」

同じインタビューの中で、ターナーはまた、彼女が残した功績について思いを巡らせ、ありのままの自分でいることによって与えられたインスピレーションについても触れた。 「私の願いは、人々の考えを変えるのに役立つような真実を伝えることです。それが実現したら、私はできる限りの最善を尽くします。」

ティナ・ターナーの 70 年代の重要な 10 カット: 彼女の忘れられた時代がソロ パフォーマーとしての劇的なデビューの舞台をどのように整えたか

写真: M. Caulfield/WireImage for VH-1 Channel - ニューヨーク

リスト

「Tears of a Clown」でも「Tears in the Club」でも、アウトキャスト、TLC、アヴィーチーなどの最も卑劣で悲しい曲を聴いてください。

2003 年、アウトキャストは「Hey Ya!」で 2 度目の No.1 ヒットを記録しました。 この時代を超越したトラックには、ポラロイド写真のように振りたくなるような陽気なエネルギーがありますが、そのやや不幸な歌詞を偶然目にするまでは。

「私たちはここで幸せではないとわかっているのに、そんなに否定するのでしょうか？」 アンドレ 3000 は 2 番のヴァースで歌っています。 次のラインは、その対照的な性質を要約しているかもしれません。「あなたたちは私の話を聞きたくない、ただ踊りたいだけなのです。」

リスナーにさまざまな感情を感じさせる (そして身体的に反応させる) 能力は、ソングライティングの天才の一部です。 「Hey Ya!」のような曲伝染性のあるメロディーに隠された悲しい物語は、アウトキャスト、レム、スモーキー ロビンソン、ロビンなどによって習得されているトリックの 1 つです。

ビートに合わせて楽しくブギーしていたのに、その歌詞が実際には非常に残念なものであることに気づいたことがある人は、きっとあなただけではありません。 BBC と Apple Music は両方とも、そのようなトラックをサッド バンガーズと呼んでいます。これは、過去半世紀にわたって非公式のジャンルとなったものにふさわしい名前です。

今年 5 月のメンタルヘルス啓発月間にちなんで、GRAMMY.com は感情を揺さぶり、体を動かす 15 曲のリストをまとめました。

このモータウンのクラシックの明るい音楽は、グラミー賞を 25 回受賞しているスティービー ワンダーによって書かれました。彼は、体を楽しく踊らせるような涙を誘う作品を巧みに作ります。 ファゴットの低音の曲は毎分 128 ビートを記録し、このテンポは現代のダンス ミュージック プロデューサーに今でも好まれています。 だから、スモーキーが「ピエロの涙/周りに誰もいないとき」と歌うとき、あなたもノリに乗って少しだけこみ上げてくるのは許されるだろう。

グロリア・ゲイナーは、ジャクソン5の1971年のポップ・ヒット曲「ネヴァー・キャン・セイ・グッバイ」をディスコ時代に向けて再解釈しました。 広大なストリングスアレンジメントと疾走するビートはダンスフロアを満たし、彼女自身の愛を抱き続けることについての感動的な曲を作るのに役立ちました。 アイザック・ヘイズとコミュナーズによる他のカバー・バージョンも、相反する雰囲気を捉えています。

イギリスのデュオ、ティアーズ・フォー・フィアーズは、初のダンサブルなヒット曲に、リリースから 40 年経った今でも揺るぎない憂鬱でドラマチックなコーラスを付けたことで国際的に知られるようになりました。私の死はこれまでで最高のものだ。」 ローランド・オーザバルとカート・スミスは後に「Everybody Wants to Rule The World」や「Sowing the Seeds of Love」など、より高揚感のある作品をリリースすることになる。

ケイト・ブッシュは、1985年のリリースから始まり、2012年の夏季オリンピック閉会式のありそうでなかった曲として、「Running Up That Hill」で世界中のチャートを3度旋回させた。

「もしできることなら、神と取引をするのに/そして神に私たちの立場を交換してもらうのに/あの道を駆け上がって/あの丘を駆け上がって/問題なく」と彼女はコーラスで歌う。レーシングトラックでもっと安心して走りたいと願っています。

最近では、2022 年の Netflix ドラマ『ストレンジャー シングス 未知の世界』への出演により、この切ない短調のダンス ナンバーがまったく新しい世代のファンを獲得しました。 この英国人アーティストは最近、2023年のロックの殿堂入り者に選ばれた。

ミッドナイト・オイルのリード・シンガー、ピーター・ギャレットは、初期の気候変動とオーストラリア奥地のアボリジニの土地権利の欠如から感じた怒りを「ベッド・アー・バーニング」に注ぎ込んだ。 このパワフルなダンス チューンは 80 年代後半に世界中の電波とダンス フロアに溢れ、Billboard Hot 100 チャートで 17 位に達しました。

「地球が回っているときにどうやって踊ればいいの？」 彼は熱狂的なコーラスで歌います。 「ベッドが燃えている間、どうやって寝るのですか？」

ギャレットは明らかにこの曲の切望するメッセージに個人的なつながりを持っていました。彼は後にオーストラリア自然保護財団のリーダーとして環境活動に生涯を捧げ、オーストラリア下院議員に選出されました。

家のない女性を描いたハウス ミュージックのヒット曲「ジプシー ウーマン (彼女はホームレス)」は、ニュージャージー州の歌手クリスタル ウォーターズが、やや暗いテーマにもかかわらず、国際的な成功を収めるのに貢献しました。 その後のスケッチコメディシリーズ「イン・リヴィング・カラー」のパロディでは、ハッピーで陽気な楽器編成と憂鬱な歌詞のコントラストが注目を集めた。

「彼女はあなたと私と同じです/しかし、彼女はホームレスです、彼女はホームレスです」とコーラスが鳴り響きます。 「彼女がそこに立ってお金のために歌っていると/ラ・ダ・ディー・ラ・ディー・ダ…」

この陽気なコラボレーションは、ロック グループ REM と B-52 の歌手ケイト ピアソンによるものです。ジャラジャラとしたギター ポップは手をたたき足を踏み鳴らしたくなるものですが、歌詞を読むと本当にすべてがこんなに輝いていて幸せなのかと疑ってしまいます。

プロパガンダポスターに「Shiny Happy People」というフレーズが登場したことから、この曲は中国の天安門広場での虐殺を歌ったものではないかと噂されている。 しかし、ピアソン氏はそれについては確信が持てない。

「当時REMが『ああ、この曲は中国政府のプロパガンダについての曲にしたい』と考えていたとは想像できません」と彼女は2021年のVultureとのインタビューで語った。 「輝かしく幸せなはずだった。全体的にポジティブなことだった。」

「ウォーターフォールズ」は、一緒に歌えるコーラスとファンキーなベースラインのおかげで、1994 年に TLC の世界的なヒットとなりました。 この曲のしつこい跳ね返りは、人々を崖っぷちから引き戻すしっかりとした叙情的な警告を和らげている。まったくもって何もない/でも、あなたの動きは速すぎると思います。」

ロゾンダ・“チリ”・トーマスは2018年にガーディアン紙に対し、「無防備なセックス、乱交、間違った群衆との付き合いについての強いメッセージを込めた曲を作りたかった」と語った。「『ウォーターフォールズ』のメッセージは心に刺さる。それがこれが私たちのこれまでで最大のヒット作になった理由だと思います。」

アンドレ 3000 は、Billboard Hot 100 チャートでトップを獲得したこの大ヒット曲で、風変わりでタイムシフトするダンス ビートに合わせて愛のない関係について歌います。 この曲の深刻さ（かつてアンドレ 3000 は「2000 年代の人間関係の状態」を歌ったものだと説明していました）は、多くのリスナーの間で忘れ去られました。

その不幸な歌詞は、アンドレの元気いっぱいの歌唱と、ジャラジャラとしたギターとキーボード主導のグルーヴによって覆い隠されており、4拍ごとの終わりで感染力が倍増するスピードが倍増する。 アウトキャスト自身も、2021年のツイートでこの曲が並置されていることを認めずにはいられなかった。

悲しいバンガーの最後から 2 番目の例は、スウェーデンのポップ スター、ロビンの「Dancing On My Own」です。 複数の国でトップ 10 ヒットとなったこの悲痛な曲は、自分の気持ちを揺さぶるよう命じると同時に、クラブで元恋人が前に進んでいくのを見ている自分の姿を思い浮かべます。 カラム・スコットの2016年のカバーは、ロビンのアップテンポなバージョンでは覆い隠されがちな悲しみを本当に際立たせている。

「言った、私は隅っこであなたが彼女にキスするのを見ている、ああ、違う/そして私はすぐそこにいるのに、なぜ私が見えないの？」 ロビンがコーラスで歌います。 「そして、私は全力を尽くしています/でも、私はあなたが家に連れて帰るような女の子ではありません。」

楽しい。 （ジャック・アントノフ、アンドリュー・ドスト、ネイト・ルースのトリオ）は、時代精神を掴むポップ・ロック・パワー・バラード「ウィー・アー・ヤング」で最もよく知られているが、この曲は街にいる若者の絶え間なく前向きな熱意を歌っている。 2012 年のアルバム『Some Nights』（「We Are Young」を収録）のタイトル トラックは、よりダンシーでありながら、より悲しい曲です。

「私は何を支持しているのですか？」 ビートに合わせて足を引きずりながら、ラスが尋ねます。 「ほとんどの夜は、もうわかりません。」

Avicii はソウルフルなポップ シンガー Aloe Blacc とコラボレーションし、EDM の頂点アンセムの 1 つと考えられるこの世界的なチャートトップの作品を制作しました。 スラップするビートは、道に迷ったことについてのこのトラックの悲しく内省的な歌詞を覆い隠します。

スウェーデンのDJ/プロデューサーが2018年に自殺で亡くなったことは、ブラックの熱のこもったコーラスにさらに重い空気を加えている：「だからすべてが終わったら目を覚ましてくれ/もっと賢くなって年をとったら/この間ずっと私は自分自身を見つけていた、そして私は」 /道に迷っていたとは知りませんでした。」

「Never Be Like You」は、オーストラリアの DJ/プロデューサー、Flume の低音の効いたディスコグラフィーの中で最速の曲ではありませんが、かすかなトラックには依然として抗しがたい衝撃感があります。 カナダの歌手カイは恋人に離れないでくれと懇願しますが（「どうすればあなたをここに残したいと思わせることができますか？」）、それでも彼女の愛らしい音色がこの曲に希望を与え続けています。

おそらく、このリスト全体の中で最もあからさまに選ばれたのは「Tears In The Club」で、FKAツイッグスとザ・ウィークエンドがダンスフロアに登場して、悪い関係の名残を振り払っている。 この歌手兼ダンサーは虐待的な関係にあったことを率直に語っており、この曲は「ビートで死ぬかもしれない、愛」などの絶望的なチャントで盛り上がる控えめなバップだ。

DJ/プロデューサーのトッド・テリーが「Missing」のリミックスでエヴリシング・バット・ザ・ガールを国際的なダンスミュージックコミュニティに紹介してから約30年後、デュオは「Nothing Left to Lose」でエレクトロニックな側面に傾倒した。 24年ぶりのアルバム『Fuse』からのシングル「Nothing Left to Lose」は、この曲のどうしようもない切望と対比するような、押しつぶすような電子ベースラインを特徴としている。

「もっと厚い皮膚が必要/この痛みはどんどん入ってくる/どうすればいいのか教えて/だって私はいつもあなたの言うことを聞いてきたから」と、このペアのトレイシー・ソーンは冒頭のヴァースで歌います。 その後、彼女は典型的な悲しいバンガーの葛藤を適切に要約した要求をします。「世界が朽ちるまでにキスして」。

メンタルヘルスについて率直に意見を言う10人のアーティスト：ビリー・アイリッシュ、セレーナ・ゴメス、ショーン・メンデスなど

写真：フレイザー・ハリソン/コーチェラのゲッティイメージズ

特徴

ライブ音楽ビジネスは依然としてパンデミックの影響に対処している。 GRAMMY.com は、業界の最も深刻な変化、それにどのように対処しているか、そしてそれが将来に何を意味するかについて、さまざまな専門家に話を聞きました。

パンデミックはさまざまなレベルで世界的な大混乱を引き起こしました。 新型コロナウイルス感染症（COVID-19）の蔓延によってもたらされた混乱は、人的被害を超えて、ライブエンターテイメントを含むほぼすべてのビジネスセクターに深刻かつ永続的なダメージを与えました。 事実上一夜にして労働者は生計を失い、企業は休業または業務を大幅に縮小し、サプライチェーンは足かせとなった。

ロックダウンから数日以内に、複数の報道機関が感染拡大の影響を受けたツアー、コンサート、フェスティバルの詳細を詳述する厳粛な記事を掲載した。 Insider.com の記事では、少なくとも 170 件の延期またはキャンセルが確認されています。 世界中のすべてのアーティストが、キャリアのライブ パフォーマンス面が蒸発するのを一瞬にして目撃しました。 乗組員は帰宅させられ、物流、オーディオ機器、食品サービスなど、この分野にサービスを提供していたすべての企業は不毛の地となった。

パンデミックの間、大手プロモーターのライブ・ネイションは、その旗印の下で開催されるコンサートやフェスティバルの数が大幅に減少し、2019年の4万件以上のイベントから、2020年には8,000件強にまで減少した。しかし、2022年末までに、Pollstar.comの報告によると、その年のトップ100のツアーでは約5,900万枚のチケットが販売され、2019年の売り上げを上回りました。

パンデミックが始まってから 3 年が経ち、生活は多くの点で通常に戻りつつあります。 しかし、パンデミックによるインフレ圧力と、ツアーの維持に必要な商品やサービスの需要の急増により、コンサート開催に関連する費用は劇的に上昇している。 ライブ ミュージック ビジネスやその周辺で働く人々にとって、「新しい常態」とは、新型コロナウイルス感染症 (COVID-19) 以前と同じように機能するものもあれば、一時的または永続的に根本的に変化したものもあることを意味します。

GRAMMY.com は、最も重大な変化のいくつか、それらにどのように対処しているのか、そしてそれが将来に何を意味するのかについて、業界の専門家にインタビューしました。

新しいツーリングパラダイム

カリフォルニア州イングルウッドにある 70,000 席の SoFi スタジアムでプログラミングおよび予約担当上級副社長を務めるクリスティ カスティージョ ブッチャー氏は、ライブ音楽の復活に伴い、これまでに蓄積された需要が急増していると指摘しています。 「その需要を満たすには、より大きな会場が必要です。」

2023 年だけでも、SoFi スタジアムではいくつかのメガショーが開催されます。ビリー ジョエル & スティービー ニックス、グルーポ フィルメ、ロメオ サントス、5 日間のテイラー スウィフトのレジデンシー、メタリカ、ビヨンセ、エド シーラン、ピンクがすべて会場のカレンダーに載っており、その他にも発表待ちの番組。 マディソン スクエア ガーデンではジャネット ジャクソンの公演が何度も完売し、フィッシュのレジデンシーも 7 日間開催されます。

パンデミック以降、ツアーに対して異なるアプローチをとるアーティストもいる。 タンデムツアーとレジデンシーは、ツアーアーティストとそのマネージメントチームの間で人気が高まっている現象のほんの2つにすぎません。

チームを組んでタンデムツアーに参加するのは新しいアイデアではありません。 パッケージ ツアーは、1960 年代半ばのディック クラークのキャラバン オブ スターズの時代からコンサート風景の一部でした。 そして、パンデミック後の物資不足や物流の行き詰まりにより、ツアーがさらに困難になっている時代において、この行為は新たな関心を集めている。

2023 年に最も注目を集めたタンデム ツアーの 1 つは、ZZ トップ/レーナード スキナード シャープ ドレスド シンプル マン ツアーです。 アメリカ全土の 22 都市以上を訪れるこのツアーには、グラミー賞に 3 回ノミネートされた ZZ トップと人気のサザン ロック バンドが集結します。

レーナード・スキナードのツアーマネージャー、ロス・シリングは「ファンには2つのバンドが一緒に見れるという価値を提供したいのです」と語る。 （ポールスターは、2022年上半期の北米ツアートップ100の平均チケット価格が108ドル以上であると報じた。一方、ビヨンセやスウィフトなどのメガスターのチケット価格は天文学的なレベルに達している）。

シリング氏は、アーティストにとってもメリットとデメリットがあることを認めています。 「経費と収益を分け合うことになる」と彼は指摘し、生産量が半分になることも多いと付け加えた。 「ビデオ、パイロ、スモークなど、追加したい要素は何でも」をタンデムツアーで共有できます。

続きを読む：テイラー・スウィフトのエラス・ツアーが彼女の世代で最も伝説的なものとなる5つの理由

ルネッサンスを体験するもう一つのオプションは、コンサート・レジデンシーです。 「もちろん、レジデンスは新しいことではない」と、レッド・ツェッペリン、バッド・カンパニー、AC/DC、イエスなどの著名なロックバンドとともに長年活動してきたツアー兼マネージメントのベテラン、フィル・カーソンは言う。 「彼らは、本当に行くべき場所がラスベガスしかなかったときに、フランク・シナトラやサミー・デイヴィス・ジュニアのような人たちからスタートしました。」

現在ではさらに多くの選択肢がありますが、動機は以前と同じであることがよくあります。 「サミー、ディーン・マーティン…あの人たちは皆、一緒に遊びたかったし、血なまぐさい道を歩きたくなかったのです」とカーソンは説明する。 聴衆の年齢が上がるにつれて、彼らもまた、お気に入りのパフォーマーを見るために同じ場所に行くという考えに興味を持つようになりました。

そしてカーソン氏は、複数泊のアプローチが将来のトレンドの一部になる可能性があると考えています。 「全米のカジノで2泊、3泊の営業が始まりつつある」と彼は言う。 アデル、ブルーノ・マーズ、マルーン5、ルーク・ブライアン、ケイティ・ペリー、キャリー・アンダーウッド、カルロス・サンタナは、1つの会場での一連の公演を好んで遠征を避けたアーティストのほんの数例にすぎない。

この傾向は小規模な会場にも広がりつつあります。 シンガーソングライターのジェームス・マクマトリーと彼のバンドは、2021年11月にオースティン・コンチネンタル・クラブでのレジデンシーを開始した。 その予約は現在も続いています。 そしてつい昨年8月、ロバート・グラスパーはニューヨーク市のブルーノート・クラブで48公演のレジデンシーを行うことを発表した。 有名なジャズ会場での延長公演はこれで4回目となる。

フェスティバル リターン ア フォース

ロックダウン後のライブエンターテイメントへの需要の増加を受けて、主要な音楽フェスティバルは2022年に勢いよく復活し、2023年もその勢いが続く。コーチェラとロラパルーザは、新型コロナウイルスによる中止を余儀なくされた後に復活した複数日、複数週末のイベントの一つであったが、サンフランシスコのアウトサイド・ランズなどのレベルのイベントにも、2022 年には 22 万人を超える参加者が集まりました。これは、わずか 1 年前に危機に陥っていたライブ音楽業界にとって大きな恩恵でした。

ラテン系アーティストやパフォーマーの多世代のラインナップを祝い、フィーチャーするベサメ ムーチョ フェスティバルは、2022 年 12 月に 56,000 人収容のドジャー スタジアムで初開催されました。 チケットは70分以内に完売した。 2023年のイベントのラインナップは2月に発表された。 このイベントもまたしてもほぼ即完売となりました。

続きを読む：ラテン ミュージックの次の時代: 新しいフェスティバルと大規模な宣伝がレゲトン、ニュー コリドスなどを大衆にもたらすのにどのように貢献したか

アシュリー・キャップスはフェスティバルシーンにどっぷりと浸かっています。 AC エンターテインメントの元代表であり、長年にわたり毎年恒例のボナルー音楽芸術フェスティバルを監督しました。 最近では活動を縮小しているが、2009 年にテネシー州ノックスビルで設立した冒険心に満ちたビッグ・イヤーズ・フェスティバルを今も企画している。

「パンデミック後のビッグ・イヤーズは驚異的な成長を遂げた」と同氏は述べ、チケット売上が年間20パーセント増加するなど、新型コロナウイルス感染症以前の成長軌道を指摘した。 2 年間の休止期間を経て初めて開催された 2022 年のビッグ イヤーズは、35% の成長を記録しました。 「そのため、フェスティバル開催の 5 週間前に、初めての完全完売を宣言することができました。」と彼は言います。

ビッグ・イヤーズは、2023 年にはチケット販売が再び急増し、前年比 50% を超えたと指摘しました。 複数の会場で開催されるフェスティバルでは、需要の増加に対応するためにさらに大きな会場が追加されました。 コンサート来場者は「ライブ音楽体験に戻りたいと切望しているのは確かです」とキャップス氏は言う。 「そして、ビッグ・イヤーズで私たちが一緒に仕事をしているアーティストたちは、再び現場に戻り、感謝してくれる聴衆の前に立つことを熱望しています。」

方程式の両側でこの需要が蓄積されているため、多くのイベントが、音楽以外でも、注目、人員配置、装備の両方を求めて競争し、フィールドが混雑する可能性があります。

音楽制作にかかる費用

あらゆる業界を悩ませている世界的な物流のボトルネックは、ライブ音楽業界に大きな打撃を与え続けています。 パンデミックの一部の影響で、2022年には8.8％に達し、前年比ほぼ2倍となった世界的な経済インフレはコストを増加させ、利益を削減し、「回復への険しい道」への基礎を築いた。 パンデミックの最中に仕事の機会がなくなったことに気づき、数え切れないほどの熟練したツアー技術者がビジネスを辞めました。

「ミュージシャンからエージェント、マネージャー、バーテンダー、制作スタッフに至るまで、人々は軒並み業界から離れていった」とニッティング・ファクトリー・エンターテイメントのCEO兼社長であるモーガン・マーゴリスは語る。 「『何か他のことをしなければならない』 私はそれをたくさん見ました。」 中には戻ってこない人もおり、ライブツアーが再開されても人材不足が生じた。

これらすべてがライブミュージック会場にも影響を及ぼした。 「私たちはツアーマネージャー、プロダクションマネージャー、興行担当者を行き来していました」とマーゴリスは言う。 彼は、会場運営、フェスティバル、アーティスト管理、ツアーなどで全国的に活動している彼の会社を「全員参加型」の運営として特徴付けています。 「実際、アーロン・ルイスのコンサートでワラワラでお酒を飲んだことがあります」と彼は言う。

コストの増加は、品質を維持しながら可能な限り無駄のない運用を実行することが不可欠であることを意味します。 マルゴリスさんは、2022 年にライブ音楽が再開され始めた頃の風景を回想します。「バンやバス、レンタカーも含め、すべてが不足していました」と回想します。 「そして、発電機、照明装置、演出装置など、すべてが 20 ～ 30% 高価になりました。誰もがあまりにも薄く配置されていたためです。」

しかし、業界の多くの人々と同様に、マーゴリスは単に物事を最大限に活用しただけでした。 「個人的には、再びグラウンドに立つことができて興奮しました」と彼は言う。 「人のそばにいたかった。」

ほぼ圧倒的に多くの音楽アーティストがライブパフォーマンスに戻ってきたことを受けて、「より几帳面な」考え方が定着しつつあると彼は言う。 これは、彼が 2022 年をどのように特徴づけているかと比較すると、「すべてを壁に投げつけてください。私たちはどこへでも行くのです!」

続きを読む：コーチェラを超えて: 独自の雰囲気と豊富なラインナップで愛される小規模フェスティバル 10 選

もう一つの新たな問題: 米国市民権移民局 (USCIS) が提案した規則変更により、国際的なミュージシャンが米国ビザを取得するコストが 260% も増加する可能性があります。 サンパ・ザ・グレートは、「こうした政策が進められるほど、私たちが自分たちの音楽を共有することが難しくなる」と語る。 ザンビアのシンガー・ソングライター兼ラッパーは、提案されている変更がインディーズ・アーティストに特に大きな打撃を与えるだろうと指摘し、「ツアーこそが私たちの音楽を世界中で聴いてもらう唯一の方法だ」と語った。

このような全面的なコストの増加により、一部の国際的なアーティストは厳しい話し合いを余儀なくされる可能性があります。 サンパ・ザ・グレートは、ツアーを通じてではないにしても、「自分たちの音楽をサポートしてくれる人々と他にどのようにしてつながることができるだろうか？そして、独立したアーティストが音楽制作のキャリアを維持するには他にどのようにすればよいだろうか？」と考えている。

シリング氏は、政府閉鎖の最悪の時期に退職を考えたことを認めており、彼の最大の顧客の一人も同様でした。 スキナードは2018年にフェアウェル・ツアーを開始したが、パンデミックによって最終的に中止となり、真剣な心の探求を促した。 「皆の生計が彼らの下から剥ぎ取られたとき、彼らは『自分たちの条件で出て行きたい』と決心したのです。」今年のZZトップとのタンデムツアーで状況は正されるとシリング氏は付け加えた。

そうした考え方は、コロナ後も競技に残るプロフェッショナルの間で広まっている。 会場のオーナー、ツアーマネージャー、クルー、アーティストとして働く多くの人々は、必然的に遭遇するであろう困難よりも、ツアーに戻るチャンスの方が重要です。 ライブ音楽業界で働くより簡単なキャリアパスはたくさんありますが、そのやりがいに匹敵するものはほとんどありません。

バックステージとショー後の変化

パンデミック以前は、多くのツアーアーティストがショーの前後に握手会を企画していた。 これらはファンとアーティスト間の交流の機会を提供し、アーティストにとっては追加の収入源となりました。 パンデミックの時代には、まだ開催される可能性のある新しいショーであっても、これらのセッションは消滅しました。 今日、社会的距離の強制はほとんどなくなったが、交流の状況は以前とは異なっている。

「最近の3人のアーティストは握手会を行っていません。新型コロナウイルスの懸念がまだ残っているからです」と長年プロモーター、ツアーディレクター、マネージャー、会計士を務め、現在エヴァネッセンスとツアー中のデヴィッド・ノーマンは言う。 彼の過去のクライアントには、プリンス、ジョン・フォガティ、アース・ウィンド&ファイア、グリーン・デイ、アリシア・キーズ、タイラー・ザ・クリエイターなどが含まれます。

ノーマンは、交流会をなくすことでアーティストが経済的打撃を受けていると指摘する。 「しかし、後悔するよりは安全を確保した方が良いです」と彼は言い、新型コロナウイルスの検査で陽性反応が出たミュージシャンは「数週間（公演を）中止する可能性がある。その後、（ツアーの）ルートを変更し、感染した人たちにお金を払い戻さなければならない」と指摘した。延期されたショーには来れないよ。」

別のアプローチをとる人もいます。 「レーナード・スキナードは握手会を行う予定だ」とシリング氏は述べ、チームは「できる限り早く通常の状態に戻りたいと考えている」と付け加えた。 アンドレ・チョルモンデリーはミュージシャンであり、長年ツアーマネージャーを務め、イエスのギタリストであるスティーブ・ハウのギター技術者として働いた技術サポートの専門家です。

2020 年以前は、「ミートアンドグリート パッケージを購入していれば、握手できました」と彼は言います。 「たくさんのハグや写真を撮りました。」 現在では、手を振ったり、拳をぶつけたりすることがより多く行われます。 一方、フォーリナー氏は最近、握手会の代わりに質疑応答のセッションを設けている。 バンドのツアーマネージャー、フィル・カーソンは「みんな楽しい時間を過ごしている。毎晩違うのでバンドも飽きていない」と語る。

観客から離れた生活も変わりました。

「全体的な大きな変化の1つは、ケータリングの大きな違いです」と最近パット・メセニーやアニ・ディフランコとツアーを行ったチョルモンデリーは言う。 新型コロナウイルス以前は、ツアーアーティストとそのクルーは通常、舞台裏でビュッフェを食べていた。 「私たちは今、より多くの食べ物を注文しています」とチョルモンデリー氏は説明する。 「毎日、いくつかのメニューがテキストメッセージで送られてきます。」

カーソンは、バンドは自分たちにとって効果的な別の解決策を見つけたと述べています。 「私たちの歌手ケリー・ハンセンは、フード ネットワークの『Chopped』のエピソードで優勝したシェフです」と彼は誇りを持って言います。 「彼は私たちのツアーバスにキッチンレンジを全部持っています。彼は朝食を作り、ショーの後はタコスを作ります。」

カーソンは、そのようなアプローチが 70 年代のロックンロール ロード ダイニングとはまったく対照的であることをすぐに認めます。 「当時は」と彼は豪快に笑いながら言う、「コーラを数本とジャックダニエルのボトル1本だったんだ！」

ギャップを埋める

2020 年 3 月以降、パンデミックによるキャンセルと混乱がライブ音楽業界全体に響き渡りました。 しかし、ビジネスセクターが 2023 年の第 3 四半期に入ると、焦点は再び将来に向けられており、慎重な楽観主義が優勢な見方となっています。

フェスティバルシーズンが本格的に始まり、コーチェラは大規模な興奮の 2 つの週末を締めくくり、夏にはその他のイベントも多数予定されており、ツアーミュージシャンやクルーにとってアクティブな数カ月間を過ごすことが約束されています。 テイラー・スウィフトのエラス・ツアーは急速にソールドアウトしているが、ビヨンセのルネッサンス・ツアーは（予想通り大々的に）始まったばかりだ。 まるで私たちがかつて知っていたようなツアーが元の位置に戻りつつあるようです。

アルバム 2 枚、EP 1 枚、ミックステープ 2 枚、シングル 30 枚近くを数え、レコーディングに注力しているにもかかわらず、サンパ ザ グレートは聴衆とエンターテイナーの両方にとってライブ ミュージックの魅力を強調しています。

「パフォーマンスは観客とつながるための最良の方法です」と彼女は言います。 「音楽をオーディオから視覚的なもの、物理的なものに変換しているのです。アーティストをただ聴いたり、ソーシャルメディアで見たりするだけの状態から、実際にアーティストを体験する状態までのギャップを埋めることができます。」

TXT、Blackpink、Aespaなど: この夏に参加できるK-POPツアーとイベントはすべてここにあります